El director de juego no solo dirige el mundo como si de un gran personaje se tratara, sino también a los jugadores. Pero los dirige en forma de guía y nunca como coacción. Una guía permite a los jugadores disfrutar de la aventura porque establece un marco claro donde pueden florecer las posibilidades.

La finalidad de dirigir o guiar a jugadores es asegurar su diversión y satisfacción. Hay algunos hábitos que ayudan a esta tarea y que los directores de juego han ido averiguando a lo largo del tiempo.

El conocimiento que mejor se asienta es el que nace de la experiencia, pero una ayuda teórica facilita en muchos casos la práctica y expande nuestra perspectiva.

A continuación, cinco hábitos esenciales para guiar a nuestros jugadores:

• Construir (realmente) sobre las ideas de los jugadores
• Definir límites claros
• Dar a los jugadores conocimiento sobre sus personajes
• Llevar la trama a los jugadores
• Proveer de tantas pistas como sea necesario

Construir (realmente) sobre las ideas de los jugadores

Muchos directores de juego son conscientes de que encarrilar la historia significa restringir la libertad de los jugadores. Pero generar la sensación de que no están siendo controlados supone mucho más que dar múltiples opciones y direcciones en la trama. Significa prestar proactivamente atención a lo que los jugadores quieren y encontrar formas de que eso ocurra.

Para los jugadores las campañas son como un ejercicio de solución de problemas de forma creativa. El director de juego les planteará un problema y los jugadores intentarán resolver ese problema con sus propias ideas.

Algunas de esas ideas casarán perfectamente con los planes del director de juego, y otras no tanto. En cualquier caso, el director de juego debería intentar que esas ideas puedan ser una solución para los problemas que él mismo plantea. En este último punto es donde entra la creatividad del propio director de juego.

Si bien el director de juego no debería adaptar todas las ideas para que los problemas sean muy sencillos o poco atractivos, un cierto grado de adaptación es esencial.

De otro modo los jugadores tendrán la sensación de que deben leer la mente del director de juego para conseguir cualquier cosa. Sucede lo mismo al revés, si un jugador no desea realizar alguna cosa que hayamos planteado, debemos respetar su decisión.

Definir límites claros

A lo mejor uno de nuestros jugadores quiere acabar con el monstruo que habíamos preparado para que lo derrotase otro jugador. O a lo mejor los jugadores quieren robar ese poderoso artefacto del villano, pero esto derivaría en un gran desequilibrio del juego.

Aquí es cuando el decir “no” entra en escena. Esto puede ser difícil para aquellos directores que quieren que sus jugadores siempre estén felices. ¿Se enfadarán si les decimos que eso no se puede hacer?

Conviene recordar que cuanto más tardemos en decir no, más difícil será que nuestros jugadores lo acepten. Un rápido “no puedes hacer esto por X” permite a los jugadores ajustar y seguir adelante, y a veces estimulará su capacidad de resolver problemas.

Si esperas a la última sesión para decir que no se puede hacer tal o cual cosa cuando los jugadores lo estaban buscando desde el principio, conducirá a una gran frustración.

Algunas explicaciones pueden mostrar nuestra negativa como algo natural. Por ejemplo, explicaciones dentro de la ficción: “el muro de metal es tan grueso que fundirlo llevaría toda la noche, y no disponéis de tanto tiempo”.

Si ese tipo de cosas fallan, podemos utilizar las reglas: “ese hechizo solo puede usarse con animales normales, pero este animal tiene inteligencia humana.”

Dar a los jugadores conocimiento sobre sus personajes

Que el jugador tenga buenos conocimientos sobre el papel o concepto de su personaje sucede raras veces. Lo que normalmente pasa es que el jugador lleva un espía que lidia con amenazas a nivel mundial, pero no sabe nada acerca de sistemas de seguridad, o qué es ser un agente secreto.

Esto puede conducir a los jugador a sentirse como un pez fuera del agua. No tendrán ni idea de cómo meterse en su personaje porque no sabrán qué supone ser ese personaje.

Por tanto, el director de juego debería contar a los jugadores qué conocimiento tienen sus personajes que se derive de su concepto o rol. ¿Cuál es la etiqueta estándar para esos eventos de alto standing a los que va?

¿Es ese agujero de gusano que lleva a otra dimensión algo que podrían saber? No esperes a tiradas de conocimiento para dar contexto. Las tiradas deberían dar información adicional y no información básica. El rol de cada personaje es cómo hace su “trabajo” y eso debería ser bien sabido.

Dar este tipo de información a los jugadores también facilita la dirección. Si los jugadores saben que el líder de los demonios ha sido asesinado varias veces pero ha vuelto a renacer, serán menos proclives a intentar asesinarlo. Es más, añadir contexto hace que los eventos de la historia sean más significativos para los jugadores.

Llevar la trama a los jugadores

Algunos jugadores apuntarán directamente a todas las cosas interesantes que les propongas. Pero usualmente lo que sucederá es que los jugadores crearán un personaje y solo reaccionarán a lo que tengan en frente. Esto puede suceder por muchas razones. Los jugadores podrían estar cansados, ser tímidos, o que simple y llanamente no tienen un objetivo poderoso.

Una de las tareas más importantes del director de juego es implicar a cada jugador y por eso tenemos que llevar la trama hasta ellos. A lo mejor el personaje recibe un misterioso mensaje que predice los acontecimientos futuros.

O un viejo amigo va a verle para pedirle ayuda. Puedes conectar estas migas de pan para relacionarlo con cosas que ya estén haciendo otros jugadores. Puede que ese viejo amigo en realidad esté colaborando con los enemigos que otros jugadores están persiguiendo.

La preparación hace de esto algo mucho más fácil. Durante la creación de personaje a veces tenemos motivaciones y objetivos, que son ganchos ideales para introducir a los personajes en la trama.

Si los juegos no incluyen este apartado, no hay problema en crearlo nosotros. Prestar atención a lo que les interesa es también importante. Si los jugadores no paran de frecuentar salones para tomar el té, hagamos que el antagonista coincida con ellos en una de esas fiestas.

Proveer de tantas pistas como sea necesario

Hay muchas ocasiones donde los jugadores no saben qué intenciones tienes como director de juego. A lo mejor has planeado que los personajes salven a una cofradía de mercantes de un dragón, pero cuando escuchan las noticias no lo asocian a que tengan que ser ellos los salvadores.

O quieren un objeto mágico pero les decimos que está custodiado por 20 caballeros bien armados y lo dan por imposible. Por norma general, los jugadores están contentos con seguir las sugerencias el director de juego, pero no pueden hacerlo si no saben lo que es.

Algunos directores de juego dan información falsa y buscan sembrar la duda en los jugadores. Esto está bien en algunos casos, pero en otros lo único que conseguiremos es frustración. Si los jugadores se pasan media sesión buscando un objeto para luego averiguar que necesitaban otra cosa, el ánimo de la partida decaerá.

Así que antes de dedicar mucho tiempo y energía en direcciones equivocadas, una buena opción sería contarles directamente a lo que nos referimos.

Haz de esto algo rápido y casual, y así la partida continuará por sus cauces sin apenas frustración. Si cada vez que planteamos un misterio los jugadores se confunden y no saben qué hacer, deberíamos replantear la forma en la que diseñamos nuestros misterios.

Conclusión

Convertir en hábito estas prácticas resulta en un incremento del disfrute de los jugadores. Como toda buena técnica, su actividad sostenida en el tiempo es la que la vuelve automática y espontánea.

Dicha espontaneidad permite seguir construyendo nuestro estilo y prestar atención a nuevos desafíos narrativos. También convendría saber nuestros hábitos a la hora de dirigir.

¿Cuáles son aquellas actividades que realizamos de manera inconsciente e irreflexiva? ¿Y cuál es su razón de ser? Estos hábitos parten de la premisa de que la historia está siendo contada para los jugadores y por tanto hay que facilitarles las cosas.

Cuando partimos de un determinado esquema o actitud hacia la dirección surgen nuevas ideas y posibilidades, configurándose así nuevas técnicas y hábitos.

La entrada Cinco hábitos esenciales para guiar a jugadores se publicó primero en Rolósofo.

La entrada Cuatro elementos que acaban con el horror en los juegos de rol se publicó primero en Rolósofo.

En el caso de las descripciones hay personas que tienen un talento natural, poético o literario. Pero lo esencial de una descripción no reside en la estética sino en la funcionalidad de la misma.

En los juegos de rol no sucede como en una novela, donde la descripción es recibida pasivamente. En el rol las descripciones tienen que tener en cuenta también la calidad de agente autónomo de cada personaje jugador.

Estas ideas están basadas en las de John Four, cuyo blog es una intensa dedicación a las técnicas de narración para directores de juego.

Hay numerosas formas de mejorar nuestras descripciones, en este artículo veremos 5 formas de conseguirlo.

• Mostrar vs. Contar
• Finalidad de la descripción
• Sentidos vs. Interpretación
• Descripción personalizada
• La impresión

Mostrar vs. Contar

Contar sería describir una situación y sacar uno mismo las conclusiones para los jugadores. Mostrar sería, en cambio, dar pistas y evidencia suficiente para que sean los jugadores los que saquen las conclusiones. Por ejemplo:

• Contar: “un confiado guerrero se os acerca altivamente y os pide que le acompañéis a ver a su jefe.”
• Mostrar: “un hombre corpulento se acerca entre la masa hacia vosotros portando una pesada armadura. Interrumpe vuestra reunión tirando los vasos de vino. El vino se derrama sobre vuestro mapa, y él os mira amenazante durante unos segundos, en silencio. Acto seguido os dice: “dejad lo que estéis haciendo y venid inmediatamente conmigo.”

Finalidad de la descripción

A la hora de describir tendríamos que tener en cuenta:

• ¿Qué estoy diciendo?
• ¿Para qué estoy diciendo eso?

Sentidos vs. Interpretación

Por un lado queremos informar a los jugadores sobre qué cosas están percibiendo sus personajes. Pero por otro lado también queremos sugerir qué es lo que están diciendo esos sentidos. Lo que no queremos en ningún caso es pensar por los jugadores.

Se trata entonces de crear un equilibrio entre la información sensorial y la interpretación de esa información. Esta fase de interpretación tendría que ser muy sutil y simplemente sugestiva, nunca imperativa.

Sirve para generar cierto interés natural en la situación cuando los meros datos sensoriales no son lo suficientemente sugerentes. Por ejemplo:

• En desequilibrio (sentidos): “los hombres serpiente comienzan una danza mágica. El sumo sacerdote lanza un hechizo a la estatua y el golem serpiente se activa.”
• En desesquilibrio (interpretación): “contempláis un macabro ritual propio de las más horrendas pesadillas. Los acólitos se regocijan en esa siniestra danza alrededor de la estatua ofidia y os sobrecoge una abyecta atracción fatal. El líder, totalmente extasiado, lanza un potente hechizo demoníaco a la estatua y ésta retorna de sus años de hibernación. El temor anega vuestro espíritu y a duras penas podríais desenvainar.”
• En equilibrio: “el grupo de hombres serpiente forma un círculo dándose las manos. Comienzan a entonar una siniestra pero bella letanía alrededor de una estatua con forma de serpiente. Otra de esas criaturas, llena de joyas y con rostro ciertamente perverso, comienza su propio salmo oscuro. De repente la estatua parpadea, cobrando vida.”

Muletillas útiles para los casos de una interpretación sugerida:

• Probablemente es…
• Parece ser…
• Seguramente es…
• Podría ser…
• Da la sensación que…

Descripción personalizada

Describir en función del personaje tiene el beneficio inmediato de que el jugador hace de lo que le dicen algo personal. Pero esto no significa describir la misma situación a cada jugador, sino que en función del contexto a veces aludiremos a la percepción de un personaje en concreto u otro. Esto puede suceder en muchas situaciones.

Por ejemplo, si los personajes van por un pasillo y el primero que abre la puerta es un clérigo, describiremos la habitación de una forma diferente a cuando la abre primero un guerrero. En los combates, viene bien describir a cada jugador lo que está sucediendo de una forma diferente cuando llegue su turno de acción.

Tres ejemplos de distintos personajes:

• Guerrero humano: “los bandidos te sorprenden al salir súbitamente de entre los matorrales. Están bien armados aunque su defensa es precaria. Su estrategia parece ser la de rodearos con la esperanza de que os rindáis al veros superados numéricamente, ya que no están disparando sus ballestas. Esto te recuerda a cuando esos pobres diablos intentaron emboscaros a ti y a tu maestro hace 8 años…”
• Clérigo humano: “una docena o más de ladrones aparecen de entre las sombras con las armas preparadas. Tienen pinta de ir en serio, la malicia es patente en sus rostros. Te das cuenta que uno de ellos porta un símbolo sagrado que te resulta familiar, posiblemente de algún culto malvado. Pero justo cuando tu mente intenta averiguarlo comienza la batalla.”
• Pícaro elfo: “de repente sois atacados por un largo número de bandidos armados con espadas y arcos. Ciertamente son astutos, ya que han elegido muy buenos sitios para esconderse. No hay duda de que han utilizado este lugar para emboscar a otros en el pasado, así que es posible que haya trampas por la zona.”

La impresión

Se trata de la impresión sensorial que da la escena y no tanto sus aspectos particulares. Esto ayuda mucho a evocar ciertas emociones y nociones básicas sobre lo que supondrá el encuentro.

El impresionismo es un recurso descriptivo muy potente, ideal para introducir una descripción. Hay varios géneros de impresiones que podemos utilizar:

• Colores: describir los colores predominantes o patrones cromáticos. Terrosos (simplicidad, inocencia, paz), blancos y palo (pureza, nobleza), oscuros (misterio, siniestro, sospecha), etc.
• Contrastes: usar los complementarios para resaltar elementos en la escena. “En una habitación en total oscuridad brilla al fondo un pequeño objeto con luz blanca inmaculada.”
• Cualidad y calidad de la luz: luz dura, luz suave, luz pálida, luz espectral, luz inquietante, luz radiante… Del mismo modo con la oscuridad. Adjetivar las condiciones lumínicas ya sugiere un tono y unas emociones.
• Forma: si el entorno posee formas predominantes en su composición. Natural (un panorama lleno de naturaleza), arbóreo (como un poblado élfico, por ejemplo), macabro (arquitectura demoníaca u oscura), ondulado (superficies onduladas), puntiagudo (da la sensación de peligro), redondo (artificial), etc.
• Textura: al sentido del tacto o lo visible de una textura. Marchito, peñascoso, suave, con hoyuelos, rugoso, granoso, agrietado, etc.
• Otras impresiones: olores, sabores, sonidos, temperatura, etc.

La entrada Ideas para mejorar la calidad de nuestras descripciones se publicó primero en Rolósofo.

Como jugadores novatos deberíamos estar dispuestos a tener una conversación fluida y relajada. En esta conversación el director de juego plantea una situación donde nosotros decimos lo que nuestros personajes hacen o dicen. Si se da el caso de que es algo difícil, el director de juego pedide una tirada de dados en la que se determinaría el acierto o fallo.

Por otro lado, los jugadores también deberían intentar superar los obstáculos que les presenta el director de juego; que es uno de sus trabajos principales. Los jugadores cooperan juntos para sobreponerse a esos desafíos. Algunas veces tendrán éxito y otras no, y eso es lo que hará que el triunfo sea satisfactorio.

Pero lo más importante sería esa voluntad de divertirse. Una actitud y predisposición a abrazar aquellos aspectos que nos agraden, permaneciendo y profundizando en ellos.

Para los directores de juego hay una serie de consejos que viene bien tener en nuestra caja de herramientas a la hora de dirigir partidas para jugadores principiantes. Estos cinco consejos se centran en facilitar la vida al novato para que su experiencia sea lo mejor posible.

Céntrate en lo divertido

Al comenzar, los jugadores novatos tan solo necesitarán escuchar las descripciones, tomar decisiones y realizar tiradas cuando se les diga (y a lo mejor hacer algo de aritmética básica). Nosotros como directores de juego tendremos que ajustar sus propuestas creativas a la partida, y estas pocas cosas son en realidad lo más divertido de jugar.

Lo ideal sería enseñarles los conceptos más básicos y mantenerse en la actitud de “describe tu acción y veremos lo que pasa”, para luego explicar brevemente solo las reglas implicadas en dicha acción.

Esto último lo haríamos con la única intención de darles información relevante para acciones similares futuras. Habría que limitar ese número de opciones en lugar de decirles “puedes hacer lo que quieras”.

Sin un marco acotado de elecciones será difícil que hagan lo más básico y atractivo, que es tomar decisiones ante lo que se les presenta al mismo tiempo que viven las consecuencias.

Olvídate del papeleo

No es necesario que para su primera partida tengan a su personaje perfecto. Lo conveniente serían pregenerados con alguna posible variación, o pregenerados puros. La variación podría ser en cuanto al equipo que llevan, al género, a la vestimenta, al nombre…

Eso podría servir a priori para crear un mínimo apego con sus personajes. Es cierto que crearse un personaje es un gran acto creativo y de un notable control sobre nuestra experiencia. Sin embargo, a la hora de empezar puede resultar en demasiadas opciones y por tanto en un “análisis parálisis”.

Es más, para crearse un personaje completo los novatos deberían conocerse las reglas, y eso será en principio bastante inusual. De hecho, lo completo y profundo que sea un personaje en un determinado juego determina en alto grado el conocimiento del jugador sobre el juego mismo. Si vemos que el juego les ha gustado, entonces ya podríamos contemplar la idea de crear personajes.

No intentes ser original o extraño

Podría parecer aburrido que los personajes comenzasen en una taberna cuando de repente unos orcos atacan la aldea y raptan al alcalde y a su hija. Los personajes tendrían que ir hasta la guarida de los orcos y salvar a la familia, con un casi seguro enfrentamiento contra los orcos de por medio.

Pero esa situación es precisamente el escenario perfecto para principiantes. No hay necesidad de complicar de más las cosas para una primera vez. Por tanto, razas raras y poco familiares, una ciudad con 10 facciones políticas, alienígenas inventados, etc., no son una buenas ideas para empezar.

Un juego de rol ya tiene un formato que entraña una dificultad natural y lo atractivo para un novato es eso mismo y no la complejidad de una aventura. Conviene tener en cuenta que cuantos más detalles y aspectos especiales pongamos, más tenemos que explicar, y por tanto mayor posibilidad de enmarañar esa primera experiencia.

Los novatos preferirán en la mayoría de los casos la accesibilidad a la complejidad. En el caso de los personajes, elementos de historia, y mundos, serían mejores aquellos en su versión arquetípica que los excesivamente originales.

No pidas compromiso

Las partidas de una sesión o oneshots son aquí excelentes. Presentan introducción, nudo y desenlace y dejan alguna sensación concreta al acabar. Nada impide luego continuar la historia dentro de algunas semanas.

Podemos vernos tentados a pedir compromiso para dirigir una campaña y así conseguir “representar al rol en todo su esplendor”, pero eso simplemente restringirá su libertad. Pedir un compromiso de una partida a la semana, o cualquier tipo de horario, les hará apartarse inmediatamente de la diversión de esa partida y comenzar a especular si se van a divertir siempre.

Será muy difícil que se comprometan a menos que estén totalmente seguros de que se divertirán semana tras semana. Por tanto, lo ideal será solo ceñirse a esa primera partida sin ningún tipo de compromiso y que juzguen y valoren esa partida por sus propios méritos.

Luego, aunque quieran volver a jugar, mejor jugar otra vez una oneshot o algo bastante breve como una twoshot. El buen curso de una campaña requiere de un compromiso y un hábito de jugar que aún no han podido adquirir.

No les hagas “calentar banquillo”

Si vienen uno o varios jugadores novatos a tu grupo, no les hagas tener la sensación de que hay jugadores “titulares” y jugadores “de banquillo”. En realidad, jugar a rol no conlleva ningún misterio, y con una dirección sensata cualquier novato puede disfrutar con su primera vez.

Comentarios exclusivos y jerga sobre la ambientación o la partida no ayuda a que los novatos se sientan bien. Tampoco ayuda que los veteranos den la sensación al principiante de que tienen que “rebajar” su nivel para jugar esa partida.

Lo único que realmente está en juego son unas fichas de papel. Pero si hacemos sentir a los novatos que esa sesión es algo muy serio y que ellos pueden estropearlo, les haremos pasar un mal rato.

Aquí sería buena idea que los jugadores más experimentados tomasen un rol más pasivo y que interactuasen frecuentemente con los novatos. Si esto es muy tedioso para jugadores con más experiencia, puede ayudar el verlo como una inversión a medio-largo plazo en un nuevo fichaje para el grupo.

Conclusión

Por desgracia, hay numerosos factores que influirían en el buen desarrollo de partidas con novatos que no son contemplados aquí. Pero prestar atención a algunos de estos consejos nos puede ahorrar algunos de sus problemas y muchas veces sumar otro aficionado o aficionada más a este maravilloso hobby.

La entrada Cómo introducir a jugadores principiantes en los juegos de rol se publicó primero en Rolósofo.

Estos consejos están orientados a generar un mayor interés por las cosas que suceden en nuestras aventuras. Tratan de la forma de presentar la historia por parte del director de juego y a la pericia de utilizar la información en nuestro favor. Ganar implicación por parte de los jugadores implica obtener una buena dosis de carga afectiva y vinculación emocional hacia los sucesos que acaecen en nuestro mundo.

Estas ideas pertenecen al maravilloso The Alexandrian, cuyo blog recomiendo encarecidamente. Considero la “implicación” un factor clave en el disfrute por parte de los jugadores. Cuando conseguimos esa vinculación afectiva hacia la historia logramos que nuestras partidas alcancen un nuevo estadio en la experiencia de juego.

A continuación presento 7 consejos que ayudan en esta tarea.

No escondas tanto tus cartas

¿Vas a jugar a ocultar información continuamente? ¿O realmente quieres que tus jugadores sepan lo que está pasando?  En este último caso lo mejor será que te asegures de que se lo dices en algún momento.

Entre tantas tramas y misterios, al final nos olvidamos de que es necesario que eventualmente los jugadores averigüen qué es lo que está sucediendo. Muchos directores de juego se frustran porque los jugadores van perdiendo detalles de la trama que son importantes.

Como regla general: cuando los jugadores no puedan interactuar con esos detalles ni tampoco aprenderlos, mejor no malgastar tiempo en diseñarlos. Si has creado una interesante parte del trasfondo e historia, ¿no sería mejor que los jugadores lo supiesen?

No significa que les digas quién ha matado al príncipe así de primeras. Pero si la historia de la ciudad que dominaba el príncipe merece ser contada, ¿por qué no contársela en lugar de esperar a que la adivinen? Del mismo modo que saber perfectamente cuál es el problema de algún asunto no es sinónimo de haberlo resuelto, que los jugadores sepan qué es lo que está pasando no es sinónimo de que pierdan el interés.

Reduce la cantidad de información

Los jugadores tienen un tiempo de atención limitado y en muchos casos bastante breve. Si les pretendes dar la historia del antagonista principal de una tirada, desconectarán.

Lo harán porque no querrán escuchar un monólogo de cinco minutos sobre una parte del trasfondo que nada tiene que ver con ellos. Pero también desconectarán porque no habrá manera de retener toda esa información.

Algunos emplearán notas, pero no a todo el mundo le gusta tomar notas. La idea aquí consiste en proveer de pequeños trozos de información valiosa. No tiene porqué ser información simple, pero la información compleja tiene también que dosificarse. De esta manera vamos poco a poco revelando el marco general.

Conviértelo en parte de la trama

Los jugadores tienden a recordar más aquello que hacen que aquellas cosas que les cuentan. Bien podemos contar cómo un superviviente relata la masacre de su pueblo con todo detalle, o bien podemos llevar a los personajes a esa aldea y que descubran la masacre por sí mismos.

Pero que la información sea parte de la trama no significa que el monólogo del superviviente se introduzca en la trama, pues eso no sería actuar por parte de los jugadores sino meramente escuchar. Si les planteamos la tarea de llevar la legendaria espada Quel’Serrar de un lugar a otro, y entonces contamos la historia de la espada, no estaríamos convirtiéndolo en trama.

Los jugadores probablemente solo habrán escuchado que “tienen que llevar esta espada de un sitio a otro”. Sin embargo, si lo que hacemos es que durante la misión de escolta ponemos a los personajes en una situación donde la legendaria espada manifieste sus poderes, entonces podremos relacionarlos con una conspiración para ocultarlos.

De esta manera conseguimos que a) sepan qué poderes tiene la espada y su importancia, y b) implicamos a los jugadores recordando la importancia de mantener en secreto la existencia y naturaleza de la espada.

Conviértelo en un tesoro

Una de las mejores formas de captar la atención de nuestros jugadores es cuando comenzamos a repartir las recompensas. ¿Quieres que los jugadores se impliquen en el antiguo imperio enano que dominaba el mundo antes de que la Guerra de los Dragones les obligase a retirarse a las ciudadelas-montaña?

Entonces déjales que encuentren un pequeño cofre de monedas enanas, cada una con el símbolo del imperio y su logo, el cual dice: “todo aquello que el sol lo haga brillar será transformado por nuestra forja”.

Luego déjales encontrar una espada mágica con la firma de las Grandes Forjas Enanas de la Caída, luego un mapa que les conduzca a las ruinas del imperio. Damos así valor al tesoro mediante el trasfondo, a la vez que los recompensamos.

El conocimiento también puede ser un tesoro, por ejemplo: tratados de la edad antigua, diarios, etc. Otro ejemplo: encuentran un caja con algunas joyas por valor de 100 monedas de oro, pero con una tirada de historia consiguen averiguar que llevan la marca de los Fuego Maldito, quintuplicando su valor. Ahora los Fuego Maldito no son una mera civilización, sino la razón por la que están ganando dinero.

Hazlo personal

Si volvemos al ejemplo de la masacre del pueblo, ¿y si el autor de esos crímenes también asesinó a los padres de uno de los personajes? Puede funcionar, pero hacerlo personal no tiene que suponer siempre algo traumático. Por ejemplo: haz que uno de los personajes jugadores sea el descendiente directo del Duque de Plata, así tendrás bastantes posibilidades de que los jugadores se interesen por él.

No desaproveches la fase de creación de personajes para esto. Vincularlos de un inicio al mundo, incluso indicar qué repercusiones han tenido sus acciones biográficas, ya vincula al personajes con eventos u otros personajes. Esto último vincula inmediatamente a los jugadores con sus personajes y por ende con tu historia.

Hazlo físico

Repartir cartas, tarjetas, fotografías, dibujos, mapas, y demás elementos analógicos, ayuda a los jugadores a tener la sensación de una experiencia más tangible. Esto permite recordarles que la información existe, y si no se acuerdan poder volver a leerla.

Otros elementos escenográficos pueden ser útiles, como por ejemplo un candelabro con velas encendidas en el centro de la mesa si se está jugando en una ambientación medieval, o algún objeto decorativo con luces de neón en una ambientación cyberpunk. Estos elementos deberían ser utilizados siempre y cuando ayuden a nuestro objetivo de ganar más implicación, de lo contrario habría que retirarlos o limitarlos.

Hazlo repetitivo

La repetición ayuda a retener la información. Cuéntalo una vez y puede que lo recuerden, cuéntalo otra vez y la probabilidad aumenta. Si lo mencionas varias veces, sus mentes lo asociarán generalmente a información importante.

El problema de la repetición es que puede resultar aburrida. El truco consiste en presentar esta información cada vez de forma diferente e interesante. Esto último es relativamente sencillo si presentamos la información variando la forma de presentarla y las circunstancias donde se presenta.

Por ejemplo: un famoso semielfo llamado Theodmer Erkalyn ha sido capturado y retenido en una cámara de hibernación en algún lugar del mundo, bajo tierra. Lo que queremos es que cuando los personajes lo encuentren tengan una gran sensación de satisfacción.

Podríamos entonces empezar las aventuras en la ciudad de Erkalyn, en la cual Erkalyn fue nombrado héroe (Hazlo Personal). En algún momento se hace un festival en su honor, el cual puede ser atacado (Conviértelo en Parte de la Trama).

Más tarde, los personajes derrotan a unos ogros y encuentran la espada de Erkalyn, que perdió al empezar su carrera como aventurero (Conviértelo en Tesoro). Después, al llegar a una torre mágica, los personajes encuentran un antiguo diario de Erkalyn donde él mismo relata sus aventuras, y les damos un resumen en una hoja (Hazlo Físico).

Conclusión

A veces sucede que cuando captamos alguna idea, esta nos resuena como verdadera y obvia por sí misma. Creo que estos consejos cumplen esta definición porque hablan precisamente de cosas de sentido común, pero que al ser expresadas nos ayudan a clarificar nuestras ideas.

Hacen referencia a presentar un formato de partida que facilite la comprensión y asimilación del contenido de la aventura. De ese modo tornaríamos nuestra historia en algo digerible y atractivo.

En mi opinión, lo potente de estos consejos no es solo que ayuden a implicar a nuestros jugadores, sino que conforman un estilo de dirigir a todos los niveles y por tanto ayudan a la partida en su totalidad.

De ahí que crea que la idea de “implicación” o “vinculación afectiva” sea de gran importancia. Cabe también decir que el rol tiene más de esas claves de bóveda o bisagras: cuando incidimos en una de ellas (por ejemplo, la improvisación) la partida entera mejora.

Bien sea a través de la implicación, de la improvisación, o del buen control de PNJs, hay determinados esquemas que mejoran las partidas de arriba a abajo, y no solo en un punto concreto. Esto es lo que sucede -a mi modo de ver- al incidir en la implicación por parte de los jugadores, conseguimos que la partida brille en todos sus aspectos y no en uno solo.

La entrada Cómo implicar a nuestros jugadores en la historia se publicó primero en Rolósofo.

La maestría es un estado de la mente. Un deseo y determinación, acoplados habitualmente a resultados a veces intangibles pero usualmente evidentes. El camino del buen director de juego al maestro no es misterioso o conmovedor. Requiere más bien de un esfuerzo continuado para rellenar aquellas obligaciones de las que no se habla, que no se ven, pero demandadas por todos. Al mismo tiempo, el maestro sabe que solo cuenta la consideración final por parte de los jugadores y el resultado definitivo. Hace el esfuerzo porque hay satisfacción viendo que ha logrado diversión con el producto final. 

La diferencia entre un buen director de juego y un maestro no reside en su conocimiento de tal o cual técnica, sino en la comprensión profunda del medio que utiliza como vía de expresión y diversión.

Reside también en la aplicación correcta de esa comprensión; y por tanto en continuos ensayos y errores que lo conducen a recalibrar su estilo hasta que se alcanza una experiencia lúdica diferente a la de cualquier otro medio.

Atesorar técnicas o consejos de narración en un compendio mental no deja de ser una serie conocimientos que se utilizan como reglas de cálculo. Pero es en la comprensión de por qué esas técnicas son buenas, para qué sirven, y qué se pretende conseguir con ellas, cuando nos situamos ya en camino hacia la maestría.

Es como si una una actitud nacida de la reflexión y la experiencia nos condujese y nos permitiese enfrentarnos a los problemas que surjan de la dirección de juego.

En este artículo reflexionaré sobre 6 ideas que nos pueden conducir por este camino y lanzarnos a nuevos horizontes. Cabe decir que yo no me considero un maestro, solo considero que estas ideas pueden guiarnos por este sendero. Es más, la maestría como tal sería algo inalcanzable. Sería más importante el camino que la meta, convirtiéndonos así en eternos aprendices.

Confía en el ensayo y error más que en cualquier otra cosa

Después de cada sesión de juego, deberíamos preguntarnos: ¿qué ha funcionado y qué no ha funcionado, y por qué? Pero, ¿a qué nos referimos con “funcionar”? Con funcionar nos referimos a aquello que ha cumplido su propósito o no lo ha cumplido.

Funcionaría todo aquello que fomenta la diversión, la cohesión del grupo, la emoción, la catarsis, la inmersión, la mejora de capacidades, el aprendizaje, el disfrute estético, etcétera. Habrá algunos directores de juego que la expresión “esto ha funcionado” significará una cosa, mientras que a otros les parecerá otra bien distinta. Puede también que algo “funcione” durante las tres primeras sesiones y luego ya deje de funcionar, ¿por qué?

Determina qué sabes y qué no sabes

Elaboramos una lista de aquellas cosas que creemos saber y ponemos un grado de conocimiento en función de lo que consideramos lo ideal (que sería lo máximo). Si obtenemos una puntuación muy baja es posible que seamos demasiado exigentes.

Luego, hacemos lo mismo con aquellas cosas de las que sabemos muy poco o directamente no sabemos, también en función de ese ideal que perseguimos. Cabe decir que sin una referencia, alguien a quien admirar, al que deseemos emular, o un ideal a alcanzar, no estaríamos en el camino hacia la maestría sino más bien estancados.

También deberíamos meditar sobre aquello que no sabemos que no sabemos, es decir, aquellas cosas que ni si quiera se nos ocurren que desconocemos. Gracias a este estudio de nuestros conocimientos (y desconocimientos) podremos incidir sobre aquellos aspectos que deseemos mejorar.

Práctica deliberada

Consiste en practicar siempre por encima del nivel en el que nos encontramos. Es decir, ponerse siempre nuevos retos y desafíos a la hora de dirigir. ¿Nunca hemos dirigido una batalla a gran escala? ¿Nunca hemos dirigido una sesión puramente social en la que se trate un solo asunto, como un juicio?

¿Nunca hemos improvisado una partida sin absolutamente nada preparado? ¿Nunca hemos relatado una historia de romance y tragedia profunda? Consiste en ponerse objetivos que estén fuera de nuestra zona de confort.

Así, si queremos que nuestros PNJs tengan diálogos atractivos y dignos de película, prepararemos partidas que, aunque no dejen de ser divertidas, incidan en mucho diálogo intentando dotarlo de personalidad y dramatismo.

Improvisar diálogos cautivadores y atractivos es algo muy difícil de sostener en el tiempo, y por tanto este reto lo deberíamos descomponer en objetivos más pequeños. Por ejemplo: durante un tiempo incidiremos en la voz y los matices de la misma, luego en las expresiones características del PNJ, luego en cómo compone sus frases, y así.

Define el propósito del rol

Lo primero que nos vendrá a la mente es la diversión. Pero, ¿qué tipo de diversión? Divertirse, pero, ¿cómo? O a lo mejor no es solo la diversión, a lo mejor se trata de otras cosas. ¿Qué es lo que nos da el rol que no nos da ninguna otra actividad?

Traer a primera fila los motivos que nos conducen a dirigir nos permitirá enfocarnos a la hora de aprender y crear un estilo propio en función de esas necesidades. Un ejemplo de definición: la finalidad del rol sería crear una experiencia lúdica, colaborativa, emocional y creativa.

En la cual nos metemos en la piel de un personaje imaginario que vive y toma decisiones en un mundo de ficción construido por todos. Esta definición valdría como cualquier otra siempre que a uno le valga y a sus jugadores también. El propósito de esta definición consistiría en encauzar nuestros esfuerzos creativos bajo nuestros propios esquemas.

Fíate de tu instinto

Si algo te dice que deberías cambiar esta cosa o aquella, atrévete a cambiarlo. Si crees que la partida será mejor si haces algo, hazlo y comprueba si es estabas en lo cierto. Gran parte de tu conocimiento viene de tu experiencia así que tu modo de dirigir no es completamente consciente.

Cuando intentes aplicar una técnica nueva, verás rápidamente si funciona o no, y en muchos casos tendrás que adaptarla a tus necesidades. Lo que es indiscutible es que te gusta dirigir partidas de rol, y por tanto todo tiene que supeditarse a esos gustos primarios que te mueven a volver a sentarte a dirigir. Tus instintos ya te dicen qué necesitas saber y mejorar, aquello que te sirve y aquello que no.

Enseña a otros

Puede implicar el sentarse como jugador y luego darle feedback al director de juego. O también preguntar por los problemas que tienen los demás e intentar darles una solución. Esta situación no se dará normalmente de forma tan clara, por lo que hay que estar abierto al diálogo con el resto de roleros para intercambiar ideas, y así enseñar a la par que nos enseñan.

Este tipo de enseñanza también implica tener claras las cosas a la hora de dirigir y por tanto nos ayudan a reforzar nuestros conceptos. Elaborar algún que otro esquema en el que definamos cuáles son los componentes de una partida de rol y cómo abordarlos, nos ayudará a determinar con mayor claridad cuáles son nuestras fortalezas y debilidades.

A modo de conclusión, decir que el director de juego que pretende ser un verdadero Máster atiende (e incluso prioriza) lo que nos decía Gigax en la cita de arriba: desde el buen trato a los jugadores, hasta el garantizar un espacio cómodo para el juego, el ser buen juez ante las decisiones, el responsabilizarse de la buena dinámica del grupo, el motivar a los jugadores a ser creativos y a disfrutar, entre otras muchas cosas.

No solo sería la empatía hacia los personajes, sino una empatía hacia los mismos jugadores. El director de juego entonces se prestaría atención a sí mismo a la par que a los jugadores, para así descubrir aquellas cosas que irán bien al grupo y por tanto al buen desarrollo de sus partidas.

La entrada El camino hacia la maestría rolera: 6 ideas se publicó primero en Rolósofo.

Como ya hice con Wheaton, Mercer y Perkins, hoy intentaré analizar a Satine Phoenix, directora de juego y colaboradora de Geek & Sundry, visualizando uno de sus shows: Sirens of the Realms. Phoenix emite desde Twitch en su canal Maze Arcana juegos diversos, incluido D&D. Después del análisis veremos una serie de consejos de narración que mezclan ideas de algunas personas del mundo del rol y de ella misma.

Análisis de Satine Phoenix

• Utiliza introducciones barrocas, llenas de percepciones inusuales.
• Versatilidad en los diálogos, haciendo incisos descriptivos de lo que hacen sus PNJs al dialogar.
• Cuando una jugadora describe lo que pretende hacer su PJ, pregunta a menudo a modo de aclaración para saber si lo ha entendido, y así poder aplicar la mecánica correcta.
• Juega muchas veces para ver la reacción de sus jugadoras, presentando descripciones evocadoras, fomentando así la creatividad.
• Facilita la toma de decisiones dando consejos sobre qué hacer si las jugadoras están muy perdidas, o añadiendo más información.
• Concibe el metajuego como una experiencia sensorial y no solo imaginativa, por ello utiliza gran cantidad de escenografía y vestuarios para acompañar al juego.
• Hace recapitulaciones de todo lo sucedido en anteriores sesiones, incluyendo aquellos deseos e iniciativas propias que hayan surgido en los PJs durante las partidas, pero de una manera estética que rompa el hielo y sumerja a sus jugadoras en el mundo.
• Cuando sus PNJs tienen un objetivo que entra en conflicto con los de los PJs, defiende con mucho ahínco sus argumentos. Lo que consigue con ello es que las propias jugadoras conozcan mediante esas discusiones a sus PJs con mayor profundidad al mismo tiempo que el PNJ en cuestión parece más real.
• Combina descripciones largas con intercambios de información muy breves. Por ejemplo: el PJ hace una acción concreta y ella simplemente responde el efecto, devolviendo rápidamente el foco a la jugadora para que continúe diciendo lo que hace.
• Para crear un vínculo afectivo con la escena, pregunta qué siente el PJ acerca de lo que sucede, volviendo luego a la acción.
• Cuando la escena se estanca, introduce un PNJ accesorio que la desatasque, bien sea con alguna nueva información o con una situación que obligue a los PJs a actuar.

• Encuentra tu propio estilo de narración: solo si te diviertes como DJ tus jugadoras se divertirán.
• Implementa tus teorías: hay que practicar lo que queremos mejorar. Muchas veces tendremos que fracasar para luego acertar.
• Evoluciona: aceptar las críticas es muy importante par ser una DJ más completa.
• Continúa aprendiendo: gran parte de la diversión como DJ consiste en emprender y continuar el camino hacia la Maestría.

Tipos de directoras de juego

• DJs edificantes: están ahí para las jugadoras, para empoderarlas.
• DJs obstructivas: están constantemente poniendo retos a las jugadoras para ver cómo los superan.
• DJs narrativas: centradas en la historia. Quieren ir alcanzando puntos clave en la historia.
• DJs experimentales: quieren encontrar el “momento”, no se trata de llegar de A a B, sino de decir “tenemos un momento aquí, vamos a explorarlo, ¿cómo conseguimos sacar algo de él?”.

En lo relativo a la estructura de historias, Phoenix  recomienda el círculo de Harmon:

1. El personaje está en su zona de comfort.
2. Pero quiere algo.
3. Entra en una situación poco familiar.
4. Se adapta a esa situación.
5. Consigue lo que quiere.
6. Paga un alto precio por ello.
7. Vuelve a su situación familiar.
8. Habiendo cambiado.

También, una pregunta muy útil para toda trama es preguntar “¿por qué?”, ya que así la justificamos racionalmente y por tanto le damos verosimilitud. Pero no por ello una trama no podría ser fantástica o alejada del mundo real. Cuantos más “porqués” sobre un mismo asunto, mayor profundidad.

Ideas para introducir personajes en la historia

• Una de ellas es la líder.
• Eran amigas.
• Sus historias individuales previas han repercutido en el mundo.
• Realizar preguntas durante la partida para ayudar a perfilar los personajes.
• Utilizar escenas iniciales muy cargadas de relaciones de ellas con el mundo.

Ideas para tener una historia “sin fin” o que dure por muchos años

• Vuelve a elementos anteriores: así les permitimos experimentar las consecuencias de sus acciones.
• Aprende más sobre el mundo: así conseguimos que nada nos sorprenda. Poblaciones, continentes, planetas, política, incluso los días festivos de ese mundo particular.
• Permite a las jugadoras que te guíen: ¿a donde quieren ir? ¿Qué cosas quieren explorar? Presta atención a las decisiones que toman.
• Haz sagas: que las jugadoras utilicen varios personajes a lo largo de la campaña, pero que los previos continúen en el mundo como parte del trasfondo.

Ideas para creación de villanas

• Ponerle objetivos: cuál es su pasado, qué necesita para ser feliz.
• No es tan mala: simplemente puede querer algo que se enfrenta a los personajes, pero si averiguan que no se trata de alguien tan malvada puede conducirlos a un interesante dilema.
• Tiene que aprender y crecer junto con las jugadoras: puntos de experiencia, aliados y enemigos, motivaciones, etc.
• Tiene información que las jugadoras no tienen: por eso toman esas decisiones que muchas veces se oponen a las jugadoras.

Cuando las historias descarrilan…

• Utiliza partes de las historias que preparaste para añadirlas a las que están creando ellas.
• Utiliza generadores de ganchos, de nombres, de ciudades, de objetos mágicos, de mazmorras, de encuentros…
• Deja a las jugadoras tomar el liderazgo. Si van de cabeza, nosotras reaccionamos. Seríamos reaccionadoras, no creadoras de escenas.
• La técnica del “reskin” es básicamente reciclar lo que teníamos preparado y adaptarlo a lo que nos sugieren las jugadoras. Para que los encuentros puedan ser reutilizables tienen que ser diseñados previamente con esa mentalidad.

Ideas para incentivar el roleo

• Hazlo tú: haz que tus PNJs interactúen ellas mismas con el entorno (que miren al sol, que toquen el agua del charco con las manos, que cojan una flor del suelo), utiliza distintas voces y distintas formas de hablar, gesticular y expresarse. Poco a poco las jugadoras te emularán.
• Diles que roleen: si dicen “hago tal cosa”, pregúntales “descríbenos cómo haces tal cosa”.
• Dales una razón: usa el trasfondo de los personajes, si tienen un gran carisma, que intenten representarlo, si son maestras del combate, que describan sus letales movimientos durante la batalla.
• Característica diferenciadora: a veces basta con comenzar a rolear con alguna etiqueta tipo “muy carismática”, “tipa ruda”, “aduladora”, etc.
• Modular la voz: es muy útil pero nunca tanto como para provocar risa (si es que no es eso lo que queremos).

Estructura de encuentros

• Suelen implicar números y tiradas.
• Suele suponer algún tipo de desafío para las jugadoras.
• El desafío permite conectar las diferentes partes de la historia si es superado.
• Son momentos donde los personajes tienen la posibilidad de modificar el mundo en el que viven.
• También les permite tomar decisiones que las vincula emocionalmente con el mundo.

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Podríamos decir que los obstáculos son el corazón de la partida, la estructura fundamental que mantiene a los jugadores motivados. Preparar buenos obstáculos es necesario, pero no tendremos que crear demasiados ya que los personajes jugadores crearán los suyos propios con sus acciones.

Un obstáculo es un desafío que puede ser simple (una puerta que necesite ser forzada para atravesarla o buscar un objeto oculto en una habitación), o puede ser complejo (colocar 10 balizas en un planeta alienígena sumido en una guerra civil, o superar todos los trámites burocráticos y maniobras políticas para desmantelar una trama de corrupción).

Los obstáculos complejos se diferencian de los simples principalmente en que se pueden descomponer en obstáculos más simples. Estas ideas están extraídas del maravilloso libro Gamemastering de Brian Jamison, cuyo aspecto y extensión puede presentar el libro como árido y denso, pero que contiene auténticas perlas para los directores de juego.

La estructura del obstáculo, según Jamison, sigue el siguiente ciclo en forma de diagrama de flujo:

Recopilación de información

Antes de que los personajes puedan superar el obstáculo tienen que ser conscientes de que el obstáculo esta ahí. En un obstáculo muy simple puede suceder que la información esté delante de ellos, sin tener que indagar o explorar en absoluto, como por ejemplo sucederá en detener un asalto. En obstáculos más complejos tendrán que engarzar diferentes porciones de información de diversas fuentes.

El truco consiste en que los jugadores tengan las herramientas necesarias para recavar la información, aunque no sea en un primer momento algo evidente.

El DJ no debería simplemente poner un obstáculo y esperar a que los jugadores lo resuelvan. Muchas partidas con mucha preparación se han estancado durante horas porque el DJ no pensó correctamente en esta fase.

Conoce la información que debes dar a los jugadores

Los directores de juego neófitos creen que esta fase es una cuestión de adivinatoria y pura especulación por parte de los jugadores, donde los mismos andan de aquí para allá intentando ver de qué va la aventura. Lo que debería suceder en realidad es que el DJ tomase parte activa a la hora de desvelar información crítica.

Por información crítica se entiende cualquier información necesaria para moverse a la siguiente fase. Esto no significa que el DJ de toda la información ni que la de fácilmente. Él o ella decide qué tipo de información necesitan los jugadores y al menos dos formas lógicas de conseguirla. Esto último facilita apoyo en caso de que la disposición original no salga como lo que estaba previsto.

Algunas formas de conseguir la información: noticias, investigación, archivos, amigos, por accidente, filtración, ilegalmente, flashbacks, rumores, por suerte, mágicamente, intuición.

El desafío

El desafío es el obstáculo como tal, el punto de la acción donde se decide la victoria o la derrota. Con la información que tienen los PJs ahora han de averiguar la forma de superar el obstáculo. Para preparar estos desafíos conviene utilizar alguna de estas técnicas:

• Utiliza PNJs existentes: bien sea con el antagonista principal u otros conocidos, reforzando así la historia y dándole familiaridad.
• Iguala las habilidades: diseña desafíos que requieran esfuerzos razonables en función de las características y metas de cada personaje. Además, así conseguimos que el desafío suponga un cierto reto.
• Da a todo el mundo cosas que hacer: por ejemplo, ir rotando los desafíos entre todos los jugadores, de forma individual y luego grupal.
• Esfuerzos coordinados: cuanto más vean los jugadores que se necesitan unos a otros para superar el obstáculo, mayor diversión se alcanzará para el grupo.
• Equilibra la dificultad: intenta poner al principio obstáculos fáciles, y solo cuando los jugadores se hayan comprometido con la trama comienza a poner los difíciles, así será mucho más factible que los jugadores se impliquen hasta el final. Tanto si los jugadores creen que es muy fácil como si creen que es muy difícil serán menos propensos a superar el obstáculo.
• Incluye más de una forma de superar el desafío: así no caemos en malas soluciones o averiguar que los jugadores no pueden realmente superarlo, ya que podría resultar que nuestra única solución prevista luego no funcione en la práctica.

Algunos tipos de desafío u obstáculo: fuerzas hostiles, dilema ético, manipulación social, normas sociales, criminalidad, trampas o puertas secretas, código de acceso, encriptación, enigmas, maldiciones, barreras físicas o mágicas, mal funcionamiento de algo, acusaciones falsas, abuso del poder, necesidad de un mapa u objeto.

Celebración de la victoria

Después de superar el obstáculo muchos DJs pasarán al siguiente sin dar si quiera un poco de crédito a la victoria conseguida. Pero los puntos de experiencia o el dinero en muchas ocasiones no son suficientes.

Una celebración no tiene que ser una fiesta, pero sí al menos una buena descripción del éxito de los jugadores. Una buena descripción motiva a los jugadores a buscar más victorias, así que por mínima que sea una victoria haría falta una descripción, y cuanto más gloriosa sea la victoria más deberíamos esmerarnos en ella.

Cuando un solo personaje consiga algo importante, una descripción sólida contribuirá a su satisfacción en forma de reconocimiento y atención por parte del grupo.

Por cada obstáculo que pongas, piensa de antemano cómo vas a ayudar al grupo a que celebre la victoria, pero no describas sin más un resultado escrito previamente porque restará toda la satisfacción de haber triunfado de forma personal y única.

Consideraciones adicionales

• Conocimiento común: en cada obstáculo puede que haya un conocimiento local que sea bien sabido por los personajes, ahí el DJ tendría que decírselo a los jugadores de antemano. Algunos ejemplos de esto podrían ser: “hay un desierto hacia el sur”, “la ciudad de Yarlen está situada a unos pocos días a caballo”, “se ha declarado la guerra”.
• Obstáculos dependientes: por esto entendemos dos obstáculos en el que uno depende de la superación del otro para presentarse. Muchos DJs hacen demasiados obstáculos de este tipo. Esto puede frustrar fácilmente a los jugadores ya que no se ven a sí mismos triunfando sobre el obstáculo principal en un periodo de tiempo razonable. Deberíamos intentar restringir estos obstáculos dependientes porque si los PJs no consiguen uno de los pasos la partida se enfriará. Por tanto, los obstáculos pueden ser dependientes pero tenemos que posibilitar que sean superados de diversas formas. La pregunta “¿qué pasa si los PJs no superan el obstáculo?”, sirve de gran ayuda aquí.
• Fracasar: como decíamos antes, la victoria no debería de estar asegurada. Algunas veces será por malas decisiones y otras porque los dados no acompañen. Aún así, el DJ debería evitar poner obstáculos que tengan que ser superados necesariamente para que la historia continúe. Por ejemplo: que los PJs necesiten llegar a un barco donde la princesa ha sido raptada o de lo contrario será perdida para siempre. Si el DJ no tenía nada previsto en ese caso, la partida habrá terminado.
• Número de obstáculos por sesión: si los jugadores son más de rolear o interpretar puede que tarden 10 minutos en resolver un obstáculo simple, mientras que otro grupo más orientado a la acción puede que tarde 10 segundos. Cuanto más conozcamos al grupo mejor podremos ajustar el número de obstáculos. Si el DJ es novato sería mejor que sobre preparase y crease más obstáculos antes que quedarse corto.
• Obstáculos instantáneos: sería bueno preparar algunos obstáculos que se puedan introducir en contextos muy diversos (como por ejemplo un combate) para así dinamizar la partida en los momentos requeridos.

Conclusión


Superar un obstáculo siempre implica abordar un problema y solucionarlo. Algunos obstáculos tendrán que resolverse de manera creativa mientras que otros requerirán de una empatía mayor con nuestro personaje y un conocimiento más definido de sus valores y emociones. Los obstáculos también implican un conflicto que impide a los PJs alcanzar sus objetivos y motivaciones.

Pero algo que se interpone entre nosotros y una cosa que no necesitamos no lo veremos como un obstáculo sino que más bien lo ignoraremos. El obstáculo o conflicto a resolver tiene que tener un sentido y un porqué, no solo a la hora de motivar a los jugadores, sino también a la hora de justificarlo dentro de la historia.

Por ejemplo, si dos naciones están en guerra tendremos que pensar en las razones que tiene esa guerra para existir, y la profundidad de ese trasfondo crea también mucha satisfacción e interés cuando parece que las razones tienen un buen fundamento.

La escasez y falta de accesibilidad a cualquier bien, sea material o inmaterial, da sentido al obstáculo. Ya que si todo fuese adquirible por todos entonces el obstáculo no tendría razón de ser. La clave está en conseguir que el esfuerzo resulte placentero, que el camino que conduce al objetivo sea algo satisfactorio.

Para ello tendremos que conseguir que el proceso sea una combinación de pequeñas victorias y derrotas, que conducen luego a la victoria (o derrota) final. El proceso tendría que tener a su vez algo que lo hiciera placentero en sí mismo. Por ejemplo, en una negociación, que los jugadores disfrutasen de la negociación en sí misma a parte de conseguir un buen acuerdo.

Por último, decir que crear buenos obstáculos, desafíos, conflictos, problemas, drama, tensión, etc., es todo un arte y es una de las aptitudes que más hará disfrutar a nuestros jugadores. Cuando el DJ no solo prepara buenos obstáculos, sino que es capaz de improvisarlos con lo que recibe de los jugadores, ahí es cuando en mi opinión salen las grandes partidas de rol.

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Tanto si la escena de acción es un combate, una persecución, una contrarreloj, etc., viene bien saber algunas técnicas para el control del ritmo cuando la estamos dirigiendo. Algunas escenas de acción genéricas en el rol son un andar sin rumbo: dos pasos hacia delante, tres hacia detrás, uno hacia delante…

Como si todo dependiese de los dados y la suerte, sin ninguna estructura o definición. Pero en muchos géneros dramáticos las escenas de acción tienen una estructura más pautada.

Por ejemplo, que el héroe sea poco a poco abrumado por la cantidad de enemigos, cambiándose las tornas cuando de repente descubre la debilidad del rival, y finalmente alzándose con la victoria. Una escena de acción tendrá normalmente una dirección inicial, un giro, y luego un escalamiento de la tensión hasta el clímax.

Puede suceder que un combate se estanque demasiado, realizando demasiados turnos de ataque, sin una tensión que provoque interés, bien sea por ser monótono o por no representar desafío alguno. Pero si decidimos cortar de súbito el combate y proclamar la victoria de los jugadores también puede provocar insatisfacción.

Entonces el combate o cualquier escena de acción tendrían que tener un ritmo agradable e interesante para los jugadores. Hacer una escena de acción interesante incluye, a parte del control del ritmo, la parte descriptiva, el deleitar la imaginación; y en muchos casos la emoción de acertar o fallar con las tiradas y el aspecto estratégico.

Estas escenas también deberían de tener un trasfondo, una historia, algo de valor que haga a los jugadores interesarse por superar el conflicto.

Las siguientes tres técnicas parten de tres preguntas básicas:

¿Cómo son de frecuentes las tiradas, y cuánto impacto tienen en el progreso general del conflicto?

En la mayoría de juegos las tiradas tienden a seguir una media, pero la exisencia de la varianza puede resultar en un éxito aplastante o en un rotundo fracaso. Los éxitos o pifias críticas y secuencias de turnos muy reducidas podrían ser demasiado determinantes.

Poder aplicar modificadores a favor y penalizadores al rival, mayor cantidad de turnos, o solo utilizar la media de cada dado sin hacer tiradas pueden ayudar en esta tarea.

Del mismo modo, si asignamos más importancia a la inventiva de los jugadores y a cómo resuelven narrativamente el conflicto en algunos puntos de la escena, podemos con ello reportar más satisfacción a los jugadores que con solo mecánicas y tiradas. Para esto último deberíamos poblar la escena con algunos elementos interactivos que puedan ser utilizados para superar el obstáculo.

¿Cómo afecta un éxito inicial o temprano a las posibilidades de éxitos futuros?

Algunos sistemas tienen mecánicas de heridas para los personajes, que causarán penalizaciones para las siguientes tiradas. Esto puede llevar a lo que se conoce como “espiral mortal” o efecto bola de nieve. Un éxito inicial permite tener más facilidad para las siguientes tiradas debido a mecánicas como las heridas, acumulándose esa ventaja a lo largo del tiempo.

O a lo mejor si un personaje consigue un crítico y acaba con el enemigo más peligroso por pura suerte, el combate ya irá cuesta abajo a partir de ahí; lo mismo sucederá a la inversa si el enemigo tiene la misma suerte.

Si lo que queremos es que la escena tenga unas fases más o menos concretas y una duración específica necesitaremos controlar este tipo de variables. Para que una escena de acción tenga un buen momento climático hay que controlar el ritmo, el clímax se verá empobrecido si el curso de acción es demasiado precipitado o demasiado lento.

¿Qué recursos pueden gastar los jugadores para cambiar cosas durante la escena?

Muchos juegos tienen puntos de héroe, drama, suerte, etc, en una reserva que permite a los jugadores gastarlos en determinados momentos para alcanzar el éxito en sus objetivos con mayor probabilidad. También hay otros como sacrificar fatiga para un esfuerzo extra, o usar puntos de magia o reserva de hechizos.

La gestión de estos recursos permite controlar el ritmo de la escena en mayor o menor grado. Esto también puede inducir una “espiral mortal” donde los jugadores gasten inicialmente todos sus puntos para vencer al enemigo u obstáculo principal antes de que éste pueda hacer nada.

En ese caso tendríamos que averiguar cómo hacer que estas escenas reporten gratificación teniendo en cuenta el potencial tan determinante que estos puntos pueden llegar a tener.

Conclusión

Enfatizaría en el valor que se da al conflicto por parte de los jugadores y sus personajes. Cuando hay algo en juego y una historia detrás del conflicto por la que se quiera luchar y esforzarse, la escena es mucho más amena aún teniendo dificultades en controlar el ritmo de la misma.

Cómo combinar los elementos descritos arriba dependerá de qué es lo que estemos buscando. Muchas veces sucede que en una partida se les asigna a los personajes una misión que ni les va ni les viene: ir a cazar al monstruo de turno no supone demasiado interés por norma general, por lo que si encima el combate es tedioso será aún peor.

Si esto es algo habitual en las primeras sesiones de una campaña será muy contraproducente. Los conflictos iniciales de la campaña tendrían que sentar las bases de la historia y empujarlos a explorarse a sí mismos y al mundo.

A la hora de motivar a la acción de los jugadores, sería mejor que los jugadores se enfocasen en lo que ganarán si triunfan, y no en lo que perderán si fracasan. Los giros dentro de la escena  deberían ser creíbles y permitir a los jugadores ver la luz al final del túnel, es decir, motivarlos en lugar de lo contrario.

Opino que es mejor una escena de acción muy intensa pero breve que una muy larga y descafeinada. Por tanto, creo que es más prudente acortar las escenas de acción para hacer brillar más nuestras habilidades como directores de juego, pues al fin y al cabo nuestros recursos narrativos son limitados (sobre todo si hay gran carga de improvisación en la escena).

No obstante, si somos capaces de lidiar con los problemas que implican el ritmo en una escena de acción larga, sin duda que resultará muy gratificante. Para escenas cortas pero frenéticas, la dirección inicial es lo que los jugadores creen que van a hacer con lo que saben, generándose así unas expectativas; luego el giro es aquello que no tenían previsto (y que resulta coherente) que agranda el obstáculo, y luego tras unos rápidos e intensos intercambios se llegaría al clímax.

La entrada Control de ritmo en escenas de acción se publicó primero en Rolósofo.

Estos siete principios pertenecen a Jason Pitre, creador de Spark RPG, un juego que enfatiza en técnicas de narración o “storytelling” a la hora de construir historias para juegos de rol.

El juego pretende construir grandes historias como Romeo y Julieta o Moby Dick, examinando las convicciones, motivaciones y perspectivas de los personajes.

Mantén la historia en movimiento

El tiempo en la mesa es probablemente limitado, así que la trama necesita estar en movimiento. No se trata de saltar directamente a la confrontación final, pero no hay necesidad de emplear la mitad de la sesión en una conversación con el tendero.

En la mesa: si los jugadores parecen aburridos, el DJ puede eliminar aquellas escenas menos emocionantes. Cualquier cosa desde comprar hasta viajar puede ser recortado para energizar la trama. Del mismo modo, recae en los jugadores no emplear mucho tiempo en subtramas personales que nada tienen que ver con el resto de personajes.

Di sí, o tira los dados

Decir no estanca el juego. El mantra común trata de decir “Sí, pero…”, el cual es útil en situaciones que normalmente diríamos no. Esto permite introducir interrupciones y obstáculos sin un punto final en la conversación. La otra opción es pedir una tirada y averiguar qué pasa. “Sí, pero…” es una buena expresión previa a una tirada de dados.

En la mesa: los jugadores deberían construir sobre las sugerencias de otros jugadores, coge lo que sugiera un jugador y continúa con la trama. Por tanto, el DJ debería ir con la actitud de coincidir con los jugadores o iniciar un conflicto y permitir que los dados resuelvan la situación. La partida no consiste en un director de juego que impone una trama sobre jugadores reacios a ella.

Pregunta a los jugadores

Los jugadores están familiarizados con el principio de preguntar al DJ más información acerca de la ambientación o la localización actual, pero este principio se extiende a más áreas. Esto también se extiende a los jugadores preguntándose entre sí para apoyarse unos a otros.

En la mesa: como DJ haz preguntas principales para deducir de las respuestas sus motivaciones. Preguntar directamente “¿cuál es tu motivación?” puede ser demasiado abstracto, pero si preguntamos cosas como “¿qué opinión te merece el sheriff?”, puede darnos indicios sobre cuáles son los valores del personaje. Muchas veces nos preguntamos qué es lo que está pasando y no por qué está pasando. Las preguntas a los jugadores pueden ser:

• ¿Por qué abandonaste la iglesia?
• ¿Por qué estás tan enfadado con Kevin?
• ¿Cómo te sentiste cuando Luke se fue de casa?

Cuestiona sus creencias

Introduce situaciones donde sus creencias se vean desafiadas o incluso amenazadas. Esto permitirá que sus reacciones y pensamientos cobren una profundidad mayor, al ver perspectivas que atenten contra su identidad.

¿El personaje escogerá lo “correcto” a pesar de salir perjudicado? ¿O el personaje tomará el camino fácil y dejará sus creencias apartadas? Ninguna de las dos opciones es incorrecta, pero cada una mueve la historia hacia un lado y proveen mucho conocimiento sobre el personaje.

En la mesa: las creencias son importantes, y pueden ser exploradas durante la partida. Pon situaciones que presenten desafíos morales o éticos para los personajes. Observa cómo los jugadores definen la moralidad de sus personajes.

Pero no es tarea del DJ adoctrinar a los jugadores con una serie de reglas morales, sino dejar que los jugadores definan esas reglas, y entonces empujarlos a situaciones difíciles donde entren en conflicto con esas reglas que establecieron previamente.

Transmite tu energía y creatividad

El rol es un hobbie colaborativo y está dirigido por todos los jugadores compartiendo sus ideas. Sé entusiasta con la partida y agradecido hacia el resto de jugadores. Comparte tus planes y sueños de tu personaje e invita al resto de jugadores a las subtramas del mismo.

Incluso las tramas que se vuelven contra el personaje pueden reforzar la unidad y camaradería del grupo. Del mismo modo, sé consciente de los objetivos personales del resto de personajes, y prepárate para cambiar el foco hacia otro cuando surja la oportunidad.

En la mesa: jugar con gente positiva e implicada siempre es mejor que lo contrario. Construye la historia con tus amigos, incluso cuando no tengas el foco en tu personaje.

Sed buenos los unos con los otros

Los juegos de rol construyen amistades y experiencias compartidas. El juego siempre es mejor cuando todo el mundo se trata con respeto. No tienes que tratar a todo el mundo como tu amigo más cercano, pero eso no es motivo para ser agresivo o borde.

En la mesa: crea un espacio abierto y de apoyo para todos los jugadores. Si todos apoyan entonces emergen el flujo de ideas y la diversión. Hay muchas buenas ideas que pueden ser omitidas por un mal ambiente.

Asume riesgos y escala los conflictos

El último principio son las dos caras de la misma moneda. Se trata de mantener la trama en movimiento. Hay que animar a los jugadores a tomar riesgos con sus personajes y así mantener la historia interesante. Los jugadores tendrían que ser proactivos y asumir cierta responsabilidad de propulsar la historia.

No esperes a que las tramas vengan a ti, inicia una historia por tu cuenta y averigua lo divertida que puede ser. No obstante, el DJ tiene que tener herramientas para acelerar la trama cuando sea necesario, pues dirigir no solo es reaccionar a lo que hacen los jugadores. En algunas situaciones es el momento de que el villano entre en la habitación y haga de las suyas.

En la mesa: todos los jugadores son responsables de mantener la trama en movimiento. Los jugadores deben ser valientes, tomar acciones y abrazar los tropos del género en cuestión. El DJ debe intervenir rápidamente para reanimar una trama estancada.

Estos principios se concentran en mantener el espíritu narrativo dentro de la partida y en dotar de gran importancia a la historia. Aunque estos principios no riñen con juegos que hacen gran énfasis en reglas, en principio intentan dibujar un tipo de partidas donde lo que importa es la historia que se cuenta, cómo se cuenta, y los personajes involucrados en ella.

La entrada Los siete principios de la narración en los juegos de rol se publicó primero en Rolósofo.